Insegnare gli strumenti a corda con la Music Learning Theory di Gordon

Suonare uno strumento richiede competenze sia esecutive (capacità tecniche) che di audiation (capacità mentali-musicali). L’insegnamento degli strumenti a corda, così come degli strumenti in generale, è spesso concentrato principalmente sullo sviluppo delle competenze esecutive. Le lezioni private, i masterclass e i corsi per gli strumentisti ad arco si occupano principalmente della tecnica necessaria per suonare, mentre l’insegnamento delle competenze di audiation è spesso trascurato o considerato come qualcosa di scontato. Anziché insegnare le competenze di audiation, si dedica una grande attenzione alla notazione e alla teoria musicale, spesso prima che l’allievo acquisisca la preparazione necessaria per dare un significato musicale alla notazione. Uno strumento musicale non può essere più musicale della persona che lo suona, e la competenza musicale deve essere appresa con l’orecchio, non attraverso la notazione. Shinichi Suzuki (1898-1998) rivoluzionò il mondo degli archi negli anni 1960 quando dimostrò che l’approccio “Madrelingua” poteva essere usato per insegnare ai bambini molto piccoli a suonare con grande abilità prima dell’introduzione della notazione. Suzuki insisteva sull’importanza dell’apprendimento attraverso l’ascolto, prima di quello basato sulla notazione e di imparare le competenze esecutive un piccolo passo alla volta in una sequenza accuratamente organizzata. Gli insegnanti e gli studenti di Suzuki trarrebbero beneficio dall’incorporazione di aspetti della Teoria dell’Apprendimento Musicale di Gordon nelle loro lezioni. Edwin E. Gordon (1927-2015), un ricercatore, psicologo e musicista americano, ha sviluppato la Music Learning Theory, l’unica teoria generale dell’apprendimento delle capacità di audiation. Jump Right In: The Instrumental Series è un metodo per principianti nell’apprendimento degli archi, dei fiati, delle percussioni e del flauto dolce. Basato sulla Music Learning Theory, Jump Right In dedica pari attenzione allo sviluppo delle capacità di audiation e di quelle esecutive. Nel presente articolo, l’autore presenterà la propria esperienza nell’usare la Music Learning Theory e Jump Right In con gli allievi di strumenti ad arco, offrendo consigli per migliorare ulteriormente la prossima edizione di Jump Right In, per combinare la Music Learning Theory con il metodo Suzuki e altri simili, e per valutarne le implicazioni e applicazioni per gli insegnanti di strumenti ad arco in tutto il mondo.

Audiation: l’ingrediente che manca

Per suonare uno strumento musicale, si devono sviluppare due tipi di capacità: le capacità esecutive e le capacità di audiation.

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Le capacità esecutive si riferiscono all’insieme dei movimenti necessari per suonare lo strumento, mentre le capacità di audiation indicano come il suono viene processato nella mente di chi suona. Uno strumento musicale non può essere più musicale della persona che lo suona. L’audiation riassume ciò che il musicista desidera esprimere, e le capacità esecutive rappresentano il modo in cui un musicista esprime l’audiation attraverso lo strumento. Dal momento che sono entrambi essenziali, i due tipi di capacità ricevono pari enfasi in Jump Right In: The Instrumental Series

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. Occorre sentire nella propria mente e nel proprio corpo e comprendere ciò che si desidera produrre sullo strumento, e nel contempo occorre possedere le capacità tecniche richieste per comunicare quel pensiero musicale. L’insegnamento delle capacità di audiation prende forma con la Music Learning Theory, e quello delle capacità esecutive deriva da una lunga tradizione didattica degli archi. La Music Learning Theory non si occupa dello sviluppo delle capacità esecutive; tali capacità, comunque, diventano più semplici da insegnare quando gli allievi hanno sviluppato delle competenze di audiation, perché in tal caso capiranno come muovere l’arco per ottenere lo stile e la qualità del suono che desiderano produrre. Gli allievi che suonano in audiation aggiusteranno la mano sinistra per sistemare l’intonazione e eseguire spostamenti precisi. Così come quando si usa un approccio qualsiasi, l’insegnante deve costantemente vigilare affinché si sviluppino le abitudini fisiche corrette. Gli insegnanti dovrebbero essere incoraggiati a diventare esperti nello sviluppo delle capacità esecutive e dovrebbero usare l’approccio che preferiscono nello sviluppo delle capacità tecniche. Gli insegnanti dovrebbero altresì cercare di combinare l’apprendimento delle capacità esecutive con quelle di audiation. Ad esempio, quando gli allievi imparano nuove diteggiature, si dovrebbe chiedere loro di cantare le altezze prima di diteggiare e mentre lo fanno, e analogamente si dovrebbe chiedere loro di intonare i pattern ritmici nuovi prima di suonarli e mentre si suonano. L’audiation dovrebbe sempre precedere le capacità esecutive. Tutto dovrebbe essere oggetto di audiation ed essere eseguito con la voce e con lo strumento immaginario, prima di essere suonato con lo strumento reale. Occorre insegnare agli allievi che l’audiation è la capacità più importante per un musicista, e ricordare loro costantemente di mettere in audiation ciò che stanno per suonare.

Insegnare le capacità di audiation

L’audiation si sviluppa al meglio quando gli allievi sono coinvolti in due tipi di attività: (1) attività che favoriscono lo sviluppo dell’audiation e (2) attività che favoriscono lo sviluppo delle capacità di esecuzione. I due tipi di attività possono essere condotte separatamente o in modo integrato. Quando tali attività sono integrate, l’audiation deve comunque sempre precedere la tecnica.

CANTARE LE CANZONI

È fondamentale che gli allievi siano esposti a un vasto repertorio di brani, in un’ampia varietà di tonalità, metri, stili e timbri. La comprensione musicale cresce grazie al contrasto: impariamo facendo caso alle differenze. Per questo gli allievi dovrebbero ascoltare e cantare molte canzoni in tonalità maggiore e minore e in metri binari e ternari. Nella Music Learning Theory, il repertorio non è un accessorio, ma il contesto essenziale per l’apprendimento dei pattern e per lo sviluppo di una competenza musicale significativa. Imparare molte canzoni a orecchio; cantare e suonare una canzone per intero; cantare e suonare frammenti di canzoni; audiation di canzoni; cantare una melodia mentre un’altra voce canta una seconda parte; cantare mentre un insegnante esegue un accompagnamento; e cantare e suonare con un gruppo. Tutto ciò costruisce un lessico musicale e prepara l’allievo a trasferire ciò che comprende sullo strumento.

CANTARE I PATTERN TONALI E CANTARE I PATTERN RITMICI

Jump Right In: The Instrumental Series utilizza pattern tonali e ritmici come strumenti principali per organizzare e rendere consapevole l’apprendimento. I pattern tonali sono gruppi di note (da due a cinque) eseguite consecutivamente senza un ritmo obiettivo; i pattern ritmici sono gruppi di ritmi (da due a quattro macrobeat) eseguiti senza altezze determinate. I pattern funzionano nella musica come le parole nel linguaggio: comunicano un significato e costituiscono unità sintattiche alla base della comprensione.

Di quali sequenze di pattern tonali, a livello di contenuto, si occupa Jump Right In: The Instrumental Series?

Jump Right In si concentra principalmente sulle funzioni tonali fondamentali (tonica e dominante) in tonalità maggiore e minore. Nella Music Learning Theory di Gordon, l’uso del DO mobile con una tonalità minore basata su LA è il sistema preferito per aiutare gli allievi a comprendere i rapporti funzionali all’interno della tonalità, mantenendo costante il “suono di riposo”.

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Di quali sequenze di pattern ritmici, a livello di contenuto, si occupa Jump Right In: The Instrumental Series?

Jump Right In lavora inizialmente su macrobeat e microbeat nei metri abituali (binario e ternario). Nei metri abituali, i macrobeat hanno tutti la stessa durata e si suddividono in due o tre microbeat.

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Con l’aumentare delle capacità, il lavoro si espande verso suddivisioni, prolungamenti, pause e metri meno abituali, mantenendo come base la sensazione funzionale dei battiti.

Di quale sequenza di capacità si occupa Jump Right In: The Instrumental Series?

Agli allievi viene insegnato a:

• Ripetere con una sillaba neutra (audio/orale).
• Ripetere con sillabe funzionali (tono/ritmo) quando l’allievo è pronto.
• Audiation prima dell’esecuzione strumentale.
• Trasferire sullo strumento ciò che è stato cantato e audiato.

Le capacità esecutive

Le capacità esecutive sono l’insieme dei movimenti necessari per suonare lo strumento: postura, tenuta dell’arco, diteggiature, cambi di corda, controllo del suono, articolazione, ecc. Nella pratica didattica, lo sviluppo delle capacità esecutive è spesso affrontato con una progressione molto precisa. Tuttavia, se l’allievo non “sente” ciò che sta per suonare, l’esecuzione rimane meccanica e dipendente da imitazione e notazione. La flessibilità e la forza della mano destra sono fondamentali. La guida Jump Right In Teacher’s Guide for Strings

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suggerisce molti esercizi per sviluppare una tenuta dell’arco forte e flessibile. Dopo aver ottenuto una buona tenuta dell’arco, gli allievi dovrebbero cominciare eseguendo molti pattern ritmici sulle corde vuote, in stile sia legato che staccato. Per il violino e per la viola, si dovrebbe usare dapprima il centro dell’arco per poi allargarsi alle altre parti dell’arco. Per il violoncello e il contrabbasso, cominciare con la metà inferiore dell’arco. Fatto ciò con buoni risultati, si possono cominciare i cambiamenti di corda.

Imparare le canzoni in audio orale

Agli allievi viene insegnato inizialmente che qualsiasi corda aperta può essere DO. Se una corda aperta è DO, il 1° dito produrrà il suono di RE, ecc. Gli allievi cominciano col suonare, pizzicato, pattern quali DO RE MI, MI RE DO, DO MI RE, ecc. (I violini e le viole nella posizione della chitarra, pizzicando con il pollice destro.) Gli allievi dovrebbero prima cantare questi pattern, poi cantare mentre diteggiano e infine suonare, aggiustando l’intonazione ottenuta con le dita a seconda di ciò che hanno appena cantato. Con questo processo, si può evitare l’uso dei nastri per le dita. Quando gli allievi possono eseguire questi pattern, sono pronti per suonare molte melodie con tre note che hanno audiato e cantato in precedenza. “Hot Cross Buns,” “Mary Had a Little Lamb,” e “Pierrot” sono alcune canzoni con tre note che si possono usare. Cantare la canzone daccapo, per poi dare 60 secondi agli allievi per capire come suonare la canzone a orecchio. Lasciare del tempo per l’apprendimento che procede per tentativi. La maggior parte degli allievi vi riusciranno, se avete già raggiunto una prontezza nelle capacità di audiation e nelle capacità di esecuzione. Dovete creare un’atmosfera nella quale gli errori sono permessi. Impariamo dai nostri errori, e proviamo di nuovo! Gli allievi possono suonare le canzoni prima pizzicato (cominciando nella posizione della chitarra, e poi con lo strumento sulla spalla per i violini e le viole) e poi con l’arco.

I pattern melodici

Una tecnica preziosa nell’aiutare gli allievi a imparare a orecchio consiste nel ripetere i pattern melodici che possono contenere elementi sia tonali che ritmici. Ad esempio, si può dire agli allievi che gli si suoneranno alcune melodie che utilizzano solo DO e RE, per poi nascondere le dita e suonare una melodia dalla durata di 4 macrobeat e chiedere loro di ripeterla a specchio senza aspettare, sui loro strumenti. È bene cominciare con molti microbeat e altezze ripetute, e in seguito espandere fino all’uso di 3, 4 e 5 altezze, ecc., man mano che il loro orecchio migliora.

Suzuki

Shinichi Suzuki (1898-1998) credeva, alla pari di Dalcroze, Kodaly e Orff, che “il suono precede la vista.” Suzuki ha introdotto il suo approccio “Madrelingua” al mondo negli anni 1960, e in molti si stupirono di vedere gruppi di allievi giovani suonare la grande letteratura per violino con abilità, senza ricorrere alla notazione. Sebbene la sua pedagogia non fosse nuova, Suzuki ha creato una sequenza di brani atta a sviluppare in progressione delle buone capacità esecutive. Suzuki era un fautore dell’ascolto e dell’apprendimento a orecchio prima di imparare a leggere la notazione, allo stesso modo in cui si ascolta e impara a parlare una lingua prima di imparare a leggere. In pratica, tuttavia, invece di favorire l’audiation, molti insegnanti Suzuki favoriscono l’imitazione e la memorizzazione mostrando allo studente tutto ciò che deve fare. Gordon fu d’accordo con Suzuki che l’ascolto viene prima della vista, che tutti i bambini sono capaci di imparare la musica e che costruire un vocabolario di ascolto fin dalla più tenera età è fondamentale perché un bambino possa realizzare il suo più alto potenziale musicale. Al fine di sviluppare le competenze di audiation, un insegnante secondo la Music Learning Theory di Gordon integrerebbe l’approccio Suzuki come segue:

• Introdurre una maggiore varietà di repertorio. Oltre al repertorio Suzuki, i bambini dovrebbero ascoltare molte tonalità, metri, stili e timbri. Come ripeteva spesso Gordon, impariamo facendo caso alle differenze. Impariamo molto poco se tutto ciò che udiamo è nella stessa tonalità, keyality, metro, stile e timbro.
• Cantare tutto prima di suonare.
• Insegnare davvero all’allievo a suonare a orecchio, dandogli il tempo per la scoperta e per l’apprendimento per tentativi, e chiedendo agli allievi di ripetere i pattern melodici mentre l’insegnante nasconde le dita all’allievo.
• Soprattutto insegnare agli allievi a capire ciò che stanno ascoltando, portandoli a riconoscere a orecchio e identificare le tonalità maggiori e minori, i metri binari e ternari, la tonica e la dominante, i macrobeat e i microbeat, ecc.
• L’improvvisazione¹⁰.

Consigli per una revisione futura di Jump Right In for Strings

Sebbene Jump Right In: The Instrumental Series for Strings

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sia il manuale più esauriente attualmente disponibile, nel combinare una sequenza logica di capacità di audiation con una sequenza logica di capacità di esecuzione, noi crediamo che sia il caso di introdurre alcune revisioni. Ciò che segue è una lista di miglioramenti che probabilmente saranno accolte in una revisione futura:

• Si potranno scaricare le registrazioni come file audio anziché averle su CD.
• Molte “canzoni d’arricchimento di repertorio” saranno incluse.
• Alcune pagine per la scrittura della notazione saranno incluse.
• Suonare in tonalità minori sarà introdotto ben prima. Molte canzoni facili in D-minore (corda vuota LA) e E-minore (1° dito LA) saranno incluse.
• I pattern che includono pause e che utilizzano unicamente macrobeat e microbeat saranno introdotti dopo i pattern di macrobeat e microbeat.
• Alcune parti armoniche semplici saranno introdotte a orecchio e poi in notazione.

Conclusioni

La Music Learning Theory può essere introdotta in ogni lezione o prova musicale e può fare da complemento a qualsiasi manuale o approccio didattico. Jump Right In è il metodo più esauriente basato sulla Music Learning Theory di Gordon. Gli insegnanti dovrebbero essere incoraggiati a continuare a sviluppare le capacità esecutive nei loro allievi nel modo che preferiscono, e a utilizzare la Music Learning Theory per formare e sviluppare le capacità di audiation. Per gli allievi principianti, io consiglio di dedicare almeno 3 mesi allo sviluppo dell’orecchio prima di introdurre la notazione musicale. Con allievi più anziani che leggono già la notazione, passare i primi 15 minuti di ogni lezione o prova senza la notazione. Durante questo lasso di tempo, si può cantare, armonizzare, suonare canzoni a orecchio e sviluppare un vocabolario di pattern e improvvisare. Ciò porterà gli allievi ad ascoltarsi l’un l’altro, a saper correggere i propri errori e a leggere con maggiore precisione e comprensione.